民族衣装の中のファッション元素の菊と刀精神の日本の着物を探しています。

歴史

伝説の中

神治時代には邪那岐命神がいました。彼は祓い（斎戒沐浴などで初災で福を求める）を行う時、上着や袴、帯を脱いで体を露出していました。

後代の考証によると、伝説に描かれている神治時代は日本の原始社会時期に相当し、その時代の日本人の生活遺跡は現在数千か所を発見し、その分布区域は北端から北海道、南から九州まで、ほぼ全日本に分布しています。

原始社会の日本人は群体方式で移動不定の生活を送っています。主な生産活動は狩猟と採集です。

その時代、日本人は動物の毛皮や葉で寒さを防ぐ加工を始めたのかもしれません。

縄文式文化時代後期（日本の新石器時代は、前800～前500年に相当）と弥生式文化時代（日本で弥生式土器が使われていた時代は、前300～30年に相当）に、日本では2つの基本的な服装様式が現れました。

一つは頭式の丸首のシャツをセットするので、形は今日の丸首のニットジャケットに似ています。もう一つは襟合わせ式で、前身は左前の服を採用して、襟の先は腰の間まで、等距離の2つは初めて紐で結び目を結びます。袖は筒型の袖で、長さは膝以上です。

上着とセットになっているのは袴、スカーフ、須比です。

袴とは、下に身を隠して上着の中に隠している股の布のことですが、ここの袴とは、足がつながっているズボンのようなものです。

男の人は裳という腰巻きがあります。腰を缠って上着に巻きます。

女子の多くは裳を着ていますが、男子と違って女子裳の長さや地の大きさは、今日の北朝鮮のドレス「其瑪」に似ています。

スカーフは普通は飾りとして肩にかけますが、掛ける形は限らないです。普通はまた個人の好みで決められます。

生産労働の中でマフラーは時々長袖の帯を挽いたり、風呂敷の代わりに使われます。

別れの場でマフラーを振って名残を惜しむ気持ちは、明治時代に流行したハンカチを振って別れを告げる役割と同じです。

須比はスカーフより大きくて長い帯状の織物で、午前中は腰に巻いています。

古代日本の女性は男性に顔をのぞかれることを忌み嫌っていたので、須比覆面に用いられました。

『古事記』、『日本書紀』、『植輪図集』、『古語拾遺』などの文献によると、日本縄文式文化時代後期と弥生式文化時代の服装はすでにカジキ布、麻布、綿の粗布、藤布、コープなどの植物繊維材料を用いて作られています。

服装の材料の出現は神話の気絶を覆っています。例えば、天日鷲の神がカジキを裁いて布を織って、日長白羽の神が麻布を作って民用に使います。

染色は当時すでに一般的で、『応神記』によって景行天皇を載せた時、庶民はすでにアカネで赤く染められ、藍染青、コブクロは黄、クヌギの実が黒く染まり、紫根は紫に染まることを知っていました。

染め物は大部分が紋様がなくて、たまにいくつか紋様があって、普通はすべて直接木の葉の草花を利用して印刷したのです。

使っている植物は月草、つばめ草、榛、山青、忍冬などがあります。

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1.奈良時代

日本の上古時代の粗布の服装、狭い袖の斜めな襟、古代中国とある程度似ています。

しかし、本当に文字の記録があって、中国の服を日本に導入して、そして吸収させて制度化させて、奈良時代からであるべきです。

日本の奈良時代は中国の盛唐時代に当たります。

日本は多くの学者、僧侶を中国に派遣して学習と交流と吸収を行います。

これらの遣唐使は唐代の文化芸術、律令制度を日本に持ち帰りました。

「衣裳令」は奈良時代に制定された制度の一つです。

“服の命令”は礼服、朝服と制服を規定しています。朝服には冠帽が含まれています。官職の等級によって区別されます。制服は官職がない公務職員の服装で、業界別に分類されます。

総じて言えば、奈良時代の服装の色は比較的シンプルです。

2、平安時代

平安時代（9世紀以降）になると、国風の盛行によって、日本の着物はだんだん外来の影響を抜け出して、独自の豪華な美しさと精緻な特色を発展させてきました。服の色は多様化し始め、袖も寛大な方向に発展しました。

例えば、日本史に詳しい人は必ず「唐衣」と「十二単」を聞いたことがあります。

唐の服は晴れ着の一種で、紫、緋が高い。

12単は実際には、彼女は12階のひとえの服ではなく、12階のひとえの服を重ねて圭と呼ばれる服を着ています。圭は薄っぺらで透明で、重層圭が畳んだ時も、薄着や表の色がかすかに見えます。ぼんやりした美しさを倍増させます。

3.鎌倉時代

過度の腐敗によって，ぜいたくの限りを尽くして，公卿の統治はついに衰退した.

鎌倉時代には、比較的洗練された簡素な武家文化が現れ、その時代の特徴が服に反映されています。

また、当時、元朝が中国を統一し、日本を10回にわたって侵犯しました。日本人は戦争のために服装が質素になり、袖が狭い袖に戻りました。

4.室町時代

室町時代には、衣服に家紋（古代日本では姓によって家紋があり、家紋の数は二万種を超えると推定されています）が印刷され、私服のデザインが礼服化されました。

直垂と侍烏帽子はモダンな男装で、広く普及しています。

女装はよりシンプルに発展します。

5.安土・桃山時代

織田信長の安土時代、豊臣秀吉の桃山時代（16世紀中葉）には、場所によって異なる服を着るようになり、披露宴や茶会に着る「訪問服」や各種の祝典、成人式、宴会、お見合いに着る「留袖服」が現れました。

この時期は民間性を鮮明にした「能楽」が次第に形を成し、綺麗で豪華な「能」装束が出現します。

この時、公卿の服装は大きく変わりませんでした。基本的には平安時代の宮廷衣装の続きです。公卿と武家の最終的な融合は明治時代の話です。

6.江戸時代

江戸時代は日本の服装史上最盛期で、男装、女装は変化しましたが、（婦人服の袖の形が現代に近いようになりました。男装は「黒五紋を正装、茶、黄次の」という羽織が流行しました。

）しかし、基本的な様式はすでに決まっています。明治時代になると、意味上の着物が定着し、その後も大きな変化はありませんでした。

私たちが見ている着物の多くは、江戸時代の服装に沿った特別なものです。

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美術

日本の絵画の起源は日本本土ですが、日本の絵画の歴史はインド仏教と中国の美術の影響を受けました。特に中国の唐代の時、仏教の芸術の継承者である中国と日本はお寺の中の壁画の塑像と生活の中の肖像画に関わらず、両国の家は似ているところがあります。

本当に日本の着物を反映した絵画作品は主に日本の風俗画です。

日本の風俗画は室注視時代（1392-1553）に興って、中国の明代に相当します。

当時、多くの中国の風俗画が日本に伝わってきました。例えば、中国古代労働人民の生産過程を反映した「耕織図」は、日本の画家に模仿され、日本にも多くのバージョンの「耕織図入凶暴野永納本」が現れました。和歌山県高野山遍照尊院の彩画屏風「織図」などもあります。

しかし、日本の風俗画の真骨頂は江戸時代にありました。伝統的な物語を題材にした古典画派がいましたが、源氏物語や浄瑠璃物語などは当時の宮廷貴族の屏風に相次いで登場しました。このような伝統的な題材は伝統的な画法で表されています。

当時の宮中の華やかな衣装が描かれていますが、作風は雛人形に似ています。

しかし、これらの屏風に同時に描かれた風俗画は、江戸初期（16世紀初頭）の特色であり、その絵画センターは京都市にありました。広仁文明の乱の後、京都市の経済は復興しつつあり、回復の象徴として明広九年の園祭も京都市で年に一度開催されていました。そのため、一連の屏風図が大量に出現しました。荒野永徳の「洛中特別図」のように、この四世紀の中流図があります。」屏風、これらの屏風の題材は唐代の遊春図に似ていますが、人物がもっと多くて、場面がもっと広大で、その中で歌舞伎の内容が際立っています。

四条河原と六条柳のように刺す。

前者は歌舞伎の中心地で、後者は遊女歌舞伎が集まるところです。

慶長8年（1603年）に創始された北野社頭歌舞伎が一夜にして流行した。

慶長の末年には四条河原に常設舞台を設け、六条柳町の遊女たちが出演しました。当時はこの風習が多く書かれていて、現地は京都市の文化の中心地となりました。

その中から、当時の着物の着方が分かります。

しかし、歌舞伎の盛況は為政者の反感を買い、寛永十六年に政府から歌舞伎の禁止を命じられました。

江戸中期までは、風俗画に対応して桃山時代の浮世絵、浮世絵は室内の遊楽図から一人の美人を抜き出して描いたもので、この形式は寛文時代に特に流行したので、寛文美人図と呼ばれています。

17世紀中葉、江戸の出版物の中で版画の挿し絵が現れて、これらの挿し絵のを描くのは板下絵師と言って、大部分がすべて無名の絵師で、その中のずば抜けているのは菱川師宣です。

師宣は一枚の絵の創始者で、彼が作った『見返美人図』の美人は赤い団花地の刺繍大団花模様の着物を着ています。

明和二年（1765年）から俳人中心の絵が流行した。

豪華な多色の摺招版画で作っています。その中の優秀な作者は鈴木春信（1725-1770年）で、その版画は錦の美しさのようです。だから錦絵と呼ばれています。その絵の美人は特に柳腰を美しさとしています。

春信以降の美人画の代表は勝川春章、鳥居清長などがあるが、最も有名な浮世絵の大家は喜多川歌磨（1753-1806年）で、その絵の多くは半身絵や大首絵で、例えば「婦人相学十胴」などである。

その後、蚕や紡績を反映した風俗画が多く使われてきました。女性が着るのは下層労働女性の着物です。

日本から現代にかけて美人画という画派がありますが、絵の多くは着物を着た日本の女性です。

明治三十年から、日本の画家は新しい美人の画法を創造しました。浮世絵から生まれた近代美人の画派です。関東鏑木清方をはじめ、貴婦人や上流社会の奥さんたちを中心とした美人画で、円山四条を代としています。その中には松園に似合う作品がたくさんあります。着物を着た日本人の奥さんは、豊かな姿で描かれています。

上記の和服に関する美術作品。

歴史的に異なる時期の着物の色を保存しただけでなく、

模様、デザイン、アクセサリー、そして着物の着方、そして着物を着た日本人の身振りなどさまざまです。

また、これらの作品は実は芸術家の目に映る和服で、芸術家と同時代の人の着物に対する態度と感情が現れています。

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種類

着物の種類が多いです。男女の着物だけでなく、未婚、既婚の区別もあります。また、私服と礼服の区別もあります。

男性用の着物はデザインが少なくて、色が単調で、濃い色が多くて、帯が細いです。

女性の着物のデザインは多様で、色も鮮やかで、腰の帯域幅も違っています。帯の結び方も違っています。

既婚の女性は「留袖」の着物を着ることが多いです。未婚の女性は「振袖」の着物を着ることが多いです。

また、訪問、遊び、買い物などの目的によって、着物を着てのデザイン、色、様式なども違います。

1.留袖着物

女性が親戚の結婚式や正式な儀式、式典などに着る礼服は、主に黒留袖と色留袖に分けられます。

黒をベースにして、5つの模様が染められています。着物の前身の裾の両端に図案が印刷されているのは、「黒留袖」と呼ばれ、既婚女性のために使われています。他の色の生地には三つか一つの模様が印刷されています。

最初の写真は黒留袖です。

2.振袖着物

長袖礼服とも呼ばれ、お嬢さんたちの第一礼服で、袖の長さによって大振袖、中振袖、小振袖があります。

主に成人式、卒業式、宴会、パーティー、友達訪問などに使われます。

このような和服は人にファッション的な感じをあげるため、既婚の女性が“中振袖”を着るのもだんだん多くなります。

3.訪問和服

全体が模様に染まった着物で、裾から左前袖、左肩から襟にかけての絵が描かれていますが、近年では最もポピュラーな簡易礼装として、訪れた着物が人気です。

入学式、友達の宴会、パーティー、お茶会などの場合はすべて着られます。年齢や結婚の有無の制限はありません。

4.小紋の着物

服には小紋が染めてある。

練習用に似合うので、普段のファッションとしてデートや買い物の場でよく見られます。

小紋の和服も若い女性が半公式パーティーに使う礼服です。

5.喪服

帯まで全部黒で、葬式の時に着る。

6.ウェディングドレス

ウエディング？ドレス

7.浴衣

入浴する前に着る。

夏の着物

8.男性用の着物

男性の着物は模様のある羽織と袴を正式な礼装とし、即ち紋付羽織袴です。

黒以外に模様のついた羽織や袴も簡易礼装として、服装のコーディネートが自由にできます。

9.無地の着物

これは単色の着物で、模様があれば礼服にできます。模様がなければ、日常服にします。

10.「付け」の着物

袖、前後の身、襟の模様はすべて下から上へと捺染する和服の総称です。

訪問和服よりも軽くて快適です。

11.十二単

これは古代の女性が宮中や祭りに着た晴れ着です。

唐衣、単衣、時計着などに分けて、全部で12階です。

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以下は和服の細分の種類です。

付属品

1.丸帯女の着物は最初に使う帯で、正面に模様があり、華やかで上品さを失わない。

2.袋の帯域幅は8寸（日本の1寸＝3.03 cm）で、正面に模様があり、底面は無地で、日本で一番人気のある帯です。

その中の一つは錦の糸や金糸を織り込んだベルトと礼装と組み合わせることができます。他の染めた軽い模様の帯はファッション服に使います。

3.名古屋では太鼓の両端に細い帯が二つずつ連結されています。これは快適で便利です。

袋名古屋帯：帯域幅8寸（1寸＝3.03 cm）で、袋よりも軽くて快適です。

中間帯：その帯域幅は普通の帯の半分ぐらいで、裏地がなくて、細いひもも使わなくて、自分の好みで結ぶことができます。

4.着物のアクセサリー

着物の美しさは、はさみ、帯、結び目の組み合わせのほかに、着物のアクセサリーも大きな役割を果たしました。

着物のアクセサリーは主に帯揚、帯締め、帯板、枕、伊達締め、腰紐、胸紐、比翼などがあります。

また、着物とセットになっている下着や、着物を着る時、美容をする時の補助用具や靴などの付属品もあります。

帯揚と帯締は着物のセットの中で非常に重要な小物です。

帯揚の役割は帯結びを作る時に固定と帯枕をカバーする以外に、装飾の上でも和服、帯とセットにすることを厳しく要求します。

揚重の材料は普通は絹織物、綾、縮緬などを選んで使用して、上は紋様、友禅染、小紋、刺繍の図案あるいは色がなくて地がないことを装飾します。

帯缔めは结び目としての役割を果たしています。ひも、编み物、キルティングベルトの区分があります。

キルティングした円筒形のベルトを丸キルティングといい、ドレスに専用のバンド締めです。

もう一つの混ぜ物と金銀の糸のひもも普通は正式な礼服と便礼服の締め付けに使います。

一般的には、バンドの締め方が幅の狭い帯よりも高いので、幅の狭い帯締めは浴衣の上だけにするのが一般的です。

帯板：帯の前に置くので、帯のしわを防ぐ整形用の部品で、幅は帯より狭いです。

帯枕：太鼓の帯山を作る時と変化帯の形を作る時に使うので、大きいのは大きいですが、普通は標準形を使います。

伊達締：襟の下の胸元に結んで、形が崩れないようにするための着物のアクセサリーです。

伊達結合は、生地の薄い博多織物が一般的です。

腰纽、胸纽：着物を着るときの和服の长さを比べたり、胸の付け根として使うものです。

比翼：留袖の特別な飾りです。着物の二重縫合が見えるようにするためです。

比翼は袖口、襟、_、脇から袖下にかけての開口部を規定している。

喪服は比翼を使うことができない。

下着：和服の下着は主に足袋、肌襦袢、裏地、長襦袢、半襟を指す。

足袋：靴下です。

和服の靴下は完全に白を選択して使用して、しかも4本の足の指はかぶせていっしょに足の指と別れます。

材料は上等の幅絹を選んで使用する。

肌着の長襦袢は夏に汗を吸い取り、冬に保温する役割を果たします。生地は天然繊維で作られた細い紗、羅などを選び、襟は同種の布で狭いV字の襟を作ります。

ペチコート：ペチコートの役割は主にスカートの汚れと保温を防ぐためです。

生地は紡織、縮緬、ナイロンなどの長さが長襦袢より5センチぐらい短いです。

長襦袢のヒモ：着物の長襦袢ともいいます。着物の中に着る服の一つです。主な機能は和服の平らかさと形の美しさを保つと同時に、汚れ防止にも役立ちます。

半襟：カラーともいいます。

半襟を長襦袢にはめると、主な機能は汚れ防止です。

生地はクレープ、塩瀬紡績などを使用しています。

履物：他の服飾品と草履、下駄、ハンドバッグ、バックル、ヘアアクセサリーなどを含む。

草履：草で作られた靴ではなく、布靴、革靴、漆皮靴などのかかとの約2～8センチの靴の総称です。

草履を選ぶ時は、着物の用途に合わせて履き物を選ぶようにします。

礼服用の草履は布でできています。靴のかかとも高いほうがいいです。

最近は漆の靴を選ぶ人が増えています。これも草履のファッションを反映しています。

下駄：下駄には、漆を塗って下駄、白木の下駄などがあります。

浴衣を着るときは、裸足で下駄をはく。

雨が降る時、下駄は雨や泥を防ぐ下駄カバーをかぶせて雨下駄と言います。

手提げ袋：着物の重要な付属品の一つで、布地を選択して、色柄の上で同様に和服とセットにすることを求めます。

ドレス用のバッグは、佐賀錦織、博多織、錦織を生地として使用します。

外出するときは携帯用のハンドバッグとして、漆皮と皮革を麺として使うのが一般的です。

バックル：結び目と同じ役割を果たしていますが、バックルは通常真珠や七宝などを飾り、美しい印を残すためです。

髪飾り：櫛、かんざし、リボンなど、髪飾りを選んで使う場合には、振袖などの華やかな着物を着て、髪飾りを選ぶのも派手です。喪服を着るなら珊瑚、翡翠などの髪飾りは避けましょう。

手緒、下駄。

特徴

和服は平面に属して裁断して、ほとんどすべて直線から構成して、すぐ直線で創造します。

美的感覚

和服は裁断してほとんど曲線がなくて、襟のところでただ20センチメートルの傷口があるだけで、襟を取る時余分な部分を畳みます。

もし和服を分解するならば、人々は見てもいいです。着物の生地を作るために、まだ完全な長方形です。

和服の裁断制作は上述の特徴がありますので、裁縫の面では自由です。

着物を作るときは、人の体型に左右されることが少なく、背が高くて痩せている人とは違って、同じサイズの着物を着ても、服が合わないという印象を与えることが少ないです。

人によって違いますので、腰の間でサイズを調節します。

和服は基本的に直線から構成されていますが、体に挿すとまっすぐな筒の形をしています。人体曲線に対する表示が足りません。

それだけではなく、着物は日本の自然にも順応しています。日本のほとんどの地域は暖かくて湿っぽいので、服装の通気性はとても重要です。

和服が比較的にゆったりしているため、服の上の通気孔は8つの数があって、しかも和服の袖、襟、裾はすべて自由につけることができて、だから非常に日本の風土の気候に適します。